«Да здравствует жизнь!»
Это небольшой экскурс в историю развития живописи, культуру Мексики в целом и богатую сложностями жизнь этой пары уникальных личностей – двух самых известных художников своей страны. К сожалению, подборка работ художников не самая репрезентативная, но дает общее представление об удивительной необъяснимой вселенной одной из самых влиятельных артистических пар двадцатого века.
Они прожили жизнь бурную, полную страстей и творческих порывов, эпатажных демонстраций и революционных настроений, латиноамериканского колорита и противоречивых идей.
Фрида так характеризует их отношения с Диего: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего».
Авария – это трагедия жизни Кало, которой обусловлены физические тяготы ее дальнейшего бытия. Травмы, полученные при этом столкновении, будут не давать ей покоя и останутся неизлечимыми все дни ее существования.
Ее страдания и стойкость к ударам судьбы сподвигнут художницу к осмыслению законов мироздания и поиску форм воплощения ее переживаний в своем творчестве.
А соединение в ней свободы и жертвенности, желания любви и независимости, силы духа и слабости не могло не привести их взаимоотношения с Риверой к любви-противоборству: глубокому единению и непрекращающемуся сопротивлению, противостоянию и необходимости быть вместе.
Эти отношения невыносимого накала выплескиваются на полотна Фриды Кало в ее более зрелых работах, как и другие трагические события ее жизни.
Если говорить о живописных достоинствах картин Фриды, то более очевидны они в портретах, опирающихся на традиции европейского портретного искусства эпохи Ренессанса, но проникнутых мексиканским духом и красками.
Наиболее значимыми считаются ее концептуальные работы.
«Сломанная колонна» (1944) — художественный символ силы женщины. Она изобразила свое тело в разрезе. Позвоночник представлен в виде старинной колонны, давшей трещину (тело стягивают обручи металлического корсета, который ей пришлось носить после перелома позвоночника и многочисленных операций).
На фоне — Педрегальское плоскогорье. Именно там Ривера в 1940-х годах начал строить музей для размещения своей коллекции доколумбовой скульптуры.
Она всегда поддерживала борьбу против ущемления прав и свобод женщин, и, конечно, не могла пропустить в своем творчестве тему насилия над женщиной в семье. «Несколько царапин» (1935)
Фрида Кало стала первым в истории художником, который обратился к теме потери ребенка. «Больница Генри Форда» (1932)
Художница рассказала о своей трагедии: 4 июля 1932 года у нее случился выкидыш. Это была уже вторая ее беременность, закончившаяся трагически.
Красными нитями-пуповинами с Фридой на картине связаны потерянный ребенок, магнолия (подарок мужа Диего Риверы), улитка (символ того, как мучительно долго идет время), металлическое устройство (как механическая часть любого тела), анатомический женский муляж и тазовая кость, поврежденная в аварии (причина, по которой Фрида так и не смогла иметь детей).
При создании картины художница обратилась к идее ретабло — в Латинской Америке так называют иллюстрации о том, как человеку помог тот или иной святой. Однако Фрида исключает из своего сюжета главное — самого святого. Таким образом, она подчеркивает свою беспомощность и покинутость.
Художница глубоко переживала драматические события своей жизни, что нашло отражение в ее работах: «Моя кормилица и я» (1937), «Маска (безумия)» (1945), «Солнце и жизнь» (1947) и др.
На картине «Маска» лицо Фриды закрывает маска Малинче — героини народного фольклора, любовницы завоевателя Мексики Эрнана Кортеса. Ее маску всегда изображают красной, ведь этот цвет — символ страсти и крови. Фриде Кало было уже 38 лет, и ей трудно было поддерживать имидж красавицы, свободолюбивой и раскрепощенной женщины – она очень переживала по этому поводу.
Все время их союза Фрида пыталась удержать Диего, который был склонен к свободному от обязательств браку. Эта боль не могла не отразиться в ее картинах.
«Я не могу говорить о Диего как о моем муже, потому что это слово по отношению к нему абсурдно. Он никогда не был и не будет чьим-то мужем. Не могу говорить о нем и как о любовнике – потому что наши отношения гораздо больше, чем просто секс. А если я попытаюсь говорить о его душе, мне, в конце концов, придется написать картину о собственных эмоциях», — приоткрывала тайники своей души Фрида.
В «Автопортрете с обезьянкой» (1945) соединяются несколько образов, которые Кало часто использовала: обезьяна, скульптура доколумбовой эпохи, собака и гвоздь. Обезьяна в представлении художницы — преданный друг, заменяющий ребенка, которого ей не суждено было родить. Гвоздь — обман. Собака ксолоитцкуинтли — священное для ацтеков животное.
Этой картиной Кало пыталась сказать, что перестала верить своему мужу, а помогают ей в преодолении трудностей совсем другие люди и вещи.
В одном из залов экспозиции представлена репродукция утерянного шедевра Фриды Кало «Раненый стол» (1940). Это масштабное полотно было передано Советскому Союзу в 1945 году в составе большого дара от мексиканских художников. Однако затем, в 1955 году, картина была потеряна при перевозке на выставку в Польшу — до сих пор ее местонахождение неизвестно.
На выставке можно проследить различные этапы творчества выдающегося мексиканского художника Диего Риверы: от увлечения постимпрессионизмом до реализма. Он считается символом свободной Мексики и основателем школы монументальной живописи.
Диего Ривера написал не так много автопортретов, как Фрида. «Автопортрет в шляпе» (1907) — одна из самых ранних его работ. Он создал его, вдохновляясь полотнами таких мастеров, как Диего Веласкес, Эль Греко, Франсиско Гойя.
Главные темы в творчестве Диего Риверы — фольклорные сюжеты, верования и обычаи народа Мексики, а также революционное движение в стране.
На мой взгляд, картины и рисунки, созданные на основе народных мексиканских культурных традиций, удавались художнику наиболее хорошо и гораздо интереснее для нашего зрителя.
В Советском Союзе Диего был особенно знаменит своими монументальными и социально-ориентированными полотнами.
«Славная победа» (1954) — политический памфлет, изображающий вторжение американских войск в Гватемалу. Большеформатное полотно — почти три метра в высоту и пять в длину — выставляется в России впервые. Диего написал картину в 1954-м, а спустя два года подарил ее советскому Союзу художников, который передал ее на хранение в ГМИИ имени А.С. Пушкина.
Диего был всегда неравнодушен к женской красоте и легко относился к близким отношениям со своими возлюбленными и к своим мужским изменам.
На протяжении жизни у него было много жен и близких ему женщин, как в период до брака с Фридой, так и после женитьбы на ней.
Красота Фриды Кало и ее неукротимый нрав, тем не менее, не оставляли его равнодушным все годы его жизни.
Фрида ушла навсегда 13 июля 1954 года.
Ривера тяжело перенес смерть жены. Он пил, но алкоголь не приносил облегчения.
Однако Фрида заботилась о муже и после смерти: зная, что Диего не может жить без женской поддержки, незадолго до своей кончины она попросила агента и помощницу в делах Риверы Эмму Уртадо после ее смерти выйти за Диего замуж. Это была необычная просьба, но все вышло так, как того хотела Фрида. Через год Эмма действительно вышла замуж за Риверу и скрасила последние годы его жизни. У Диего развился рак, и в 1957-м его не стало… Умер художник в возрасте 70 лет, всего лишь на три года пережив свою голубку — Фриду.
Последним желанием умирающего Диего Риверы было то, чтобы его прах смешали с прахом той, кого он любил больше жизни – его обожаемой Фридой Кало…
Также на выставке представлены рисунки мексиканских художников середины XX века и скульптура доколумбовой Америки из коллекции Диего, переданные им в дар Советскому Союзу.
Они создают «мексиканское» настроение и просто необыкновенно хороши.