Итальянский футуризм. Из коллекции Джанни Маттиоли/ Italian Futurism. From the collection of Gianni Mattioli

English version below

На самом деле мы попали в ГМИИ им. А.С. Пушкина на Рождество для посещения выставки итальянских футуристов – представителей одного из ярчайших течений европейского авангарда.

Хотелось вживую посмотреть на работы известных живописцев Италии начала XX века.

Необходимо отметить, что экспозиция выставки сформирована необычно. Первые залы наполнены относящимися к данному периоду работами французских и других европейских художников, в контекст которых в каждом зале включена одна из привезенных работ итальянских мастеров. Становится понятно – какие изобразительные идеи витали в тот период в воздухе в столице искусств – Париже и чем вдохновлялись итальянские футуристы.

Было интересно сравнить разные полотна, сходные по темам, но выполненные в различных техниках и несущие отличные идеи. Это прибавило понимания истоков итальянского футуризма.

Из Манифеста футуристов: «Мы будем воспевать огромные толпы, возбужденные…бунтом; мы будем воспевать многоцветные, многозвучные приливы революции в современных столицах…».

Днем рождения футуризма стало 20 февраля 1909, когда в парижской газете «Фигаро» появился написанный Т.Ф.Маринетти Манифест футуризма. Именно Маринетти был теоретиком и вождем первой, миланской, группы футуристов. Манифест был обращен к молодым итальянским деятелям искусства – в нем отрицались все духовно-культурные ценности прошлого. Целью же искусства провозглашалось «создание новой реальности», в которую почерпнутые из жизни изобразительные элементы вводятся, исходя из чисто произвольного хотения и субъективной воли художника.

Картина Умберто Боччони «Город поднимается», наполненная всепроникающим напряжением и неукротимым желанием построения новой жизни, считается одной из знаковых произведений итальянского футуризма вообще. В зале представлено еще много картин европейских живописцев этого периода из собрания музея. Мне запомнились две.

Не уверена, что в них четко прослеживается влияние художников на творчество Боччони, но тот факт, что все они по-своему интерпретировали в своих работах технику пуантилизма, видно невооруженным глазом.

Пуантилизм – это техника живописи, в которой небольшие, отчетливые точки цвета наносятся в узоры для формирования изображения.

Особенно любопытно было увидеть «Голубую танцовщицу» Джино Северини в окружении предвестников такой интерпретации эстетики женских движений, как Эдгар Дега, и таких последователей, как Георг Кольбе.

В следующем зале на зрителя обрушивается в значительном количестве цветная энергетика Анри Матисса (из богатейшей коллекции С.И. Щукина) своим танцем, рыбками, интерьерами со знаменитыми сочетаниями розового с синим и бирюзово-зеленого с оранжево-желтым. В это хмельное неоднозначное разноцветье гармонично вписывается «Портрет Жильбера Клавеля» Фортунато Деперо. С моей точки зрения, не просто вписывается, а даже становится лидером такого взгляда на мир за счет четкости форм и неоднозначности взгляда на позирующего.

Известно, что Джорджо Моранди в своих работах вдохновлялся творчеством Поля Сезана. Как это явно считывается в их работах!

При рассмотрении обнаженной женщины из фрагмента Джорджо Моранди на ум невольно приходит полотно «Суббота» Андре Дерена (также из коллекции С.И. Щукина) с изображением удлиненных готических фигур на полотне, условностью жестов персонажей, приемами обратной перспективы искусства Средневековья.

Женщины на картине, растворяясь в тенях, дематериализуются, они словно преображаются в бесплотные существа, как и обнаженная на полотне Моранди. Надо отдать должное, эта ассоциация пришла в голову и устроителям выставки – работа Дерена представлена в этом же зале. Также интересно соотнесение изображения обнаженной фигуры на полотне со скульптурными работами этого периода.

В следующих залах создатели выставки уже густо развесили полотна исключительно итальянских футуристов.

Карло Карра так писал в своем манифесте в 1913 году: «Мы, художники-футуристы, утверждаем, что звуки, шумы и запахи являются частью выразительности линий, объемов и цветов, так же, как линии, объемы и цвета включены в архитектуру музыкального произведения.

Таким образом, наши полотна будут выражать пластические подобия звуков, шумов и запахов, наполняющих театры, мюзик-холлы, кинотеатры, публичные дома, вокзалы, порты, гаражи, больницы, мастерские и т. д., и т. п. Для этого художник должен быть вихрем сенсаций, живописной силой и энергией, а не холодным логическим интеллектом…

Так знайте же! Для создания всеобщей картины, требующей активного сотрудничества всех органов чувств, картины, представляющей пластическое состояние универсального разума, вы должны рисовать звуки, шумы и запахи так, как вопят пьяницы, как их безудержно рвет!». В общем, «Красота может быть только в борьбе. Никакое произведение, лишенное агрессивного характера, не может быть шедевром».

Что же считали эти живописцы определяющим признаком будущего, которое они пытались предчувствовать в своих работах? Прежде всего — движение. Футуристические картины – это лаборатории по созданию новых динамических форм визуальности, новых практик письма и зрительства.

Следующее полотно произвело неизгладимое впечатление на мою дочь. Ей хотелось его разглядывать и запомнить максимально точно.

Cами футуристы так говорили о новых практиках зрительства – «чтобы писалось и смотрелось во мгновение ока».

Предлагаю именно так и смотреть их до сих пор актуальные творения.

Футуризм в чистом виде довольно быстро устарел и уже к 1920-м годам стал устойчивой классикой, т.е. именно тем, от чего в свое время открещивались его сторонники.

Идеолог же футуристического движения Маринетти, участвуя в Второй мировой войне на стороне фашисткой армии в 1943 году будет ранен под Сталинградом, а в 1944 году умрет.

Вместе с ним и движение футуристов окончательно закончит своё существование.

English version

In fact, we ended up in the Pushkin Museum im. A.S. Pushkin at Christmas to visit the exhibition of Italian futurists — one of the brightest trends in the European avant-garde.

I wanted to see live the works of famous Italian painters of the early 20th century.

It should be noted that the exposition of the exhibition is formed in an unusual way. The first rooms are filled with works by French artists relating to this period, in the context of which one of the brought works of Italian masters is included. It becomes clear what visual ideas were in the air at that time in the capital of arts — Paris, and what inspired the Italian futurists.

It was interesting to compare different canvases, similar in themes, but made in different techniques and carrying great ideas. This added to the understanding of the origins of Italian futurism.

From the Futurist Manifesto: “We will sing of huge crowds excited by … rebellion; we will sing the multicolored, polyphonic tides of the revolution in the modern capitals…”.

The birthday of futurism was February 20, 1909, when the Manifesto of Futurism written by T.F. Marinetti appeared in the Parisian newspaper Le Figaro. It was Marinetti who was the theorist and leader of the first, Milanese, group of futurists. The manifesto was addressed to young Italian artists — it denied all the spiritual and cultural values ​​of the past. The goal of art was proclaimed to be “the creation of a new reality”, into which pictorial elements drawn from life are introduced, proceeding from the purely arbitrary desire and subjective will of the artist.

Umberto Boccioni’s painting «The City Rising», filled with all-pervading tension and an indomitable desire to build a new life, is considered one of the iconic works of Italian futurism in general. The hall displays many more paintings by European painters of this period from the museum’s collection. I remember two.

I’m not sure that they clearly show the influence of artists on Boccioni’s work, but the fact that they all interpreted the pointillism technique in their works in their own way is visible to the naked eye.

Pointillism is a painting technique in which small, distinct dots of color are applied to patterns to form an image.

It was especially interesting to see Gino Severini’s «The Blue Dancer» surrounded by forerunners of such an interpretation of the aesthetics of women’s movements as Edgar Degas, and such followers as Georg Kolbe.

In the next hall, the viewer is hit in a significant amount by the colored energy of Henri Matisse (from the richest collection of S.I. Shchukin) with his dance, fish, interiors with the famous combinations of pink and blue and turquoise-green with orange-yellow. Fortunato Depero’s «Portrait of Gilbert Clavel» harmoniously fits into this intoxicating ambiguous coloring. From my point of view, it does not just fit in, but even becomes the leader of such a view of the world due to the clarity of forms and the ambiguity of the view of the posing person.

It is known that Giorgio Morandi was inspired by the work of Paul Cezan in his works. How clearly it is read in their works!

When considering a naked woman from a fragment by Giorgio Morandi, the canvas “Saturday” by Andre Derain (also from the collection of S.I. Shchukin) involuntarily comes to mind with the image of elongated Gothic figures on the canvas, the conventionality of the gestures of the characters, and the techniques of the reverse perspective of the art of the Middle Ages. The women in the picture, dissolving in the shadows, dematerialize, they seem to be transformed into incorporeal beings, like the naked Morandi on the canvas. We must pay tribute, this association came to the mind of the organizers of the exhibition — Deren’s work is presented in the same room. It is also interesting to correlate the image of a naked figure on the canvas with the sculptural works of this period.

In the next halls, the creators of the exhibition have already densely hung canvases exclusively by Italian futurists.

The next canvas made an indelible impression on my daughter. She wanted to look at it and fill it in as accurately as possible.

What did these painters consider to be the defining sign of the future that they tried to foresee in their works? First of all, movement. Futuristic paintings are laboratories for creating new dynamic forms of visuality, new practices of writing and seeing.

As the futurists themselves said — «to be written and looked at in the blink of an eye.»

I suggest that you look at their still relevant creations.

Carlo Carra wrote in his manifesto in 1913: “We Futurist artists affirm that sounds, noises and smells are part of the expressiveness of lines, volumes and colors, just as lines, volumes and colors are included in the architecture of a musical work.

Thus, our canvases will express the plastic semblance of sounds, noises and smells that fill theaters, music halls, cinemas, brothels, stations, ports, garages, hospitals, workshops, etc., etc. For this, the artist should be a whirlwind of sensations, picturesque strength and energy, and not cold logical intelligence…

So you know! To create a universal picture that requires the active cooperation of all the senses, a picture that represents the plastic state of the universal mind, you must paint sounds, noises and smells as drunkards scream, as they vomit uncontrollably! In general, “Beauty can only be found in struggle. No work devoid of an aggressive character can be a masterpiece“.

Futurism in its purest form quickly became obsolete and by the 1920s had become a stable classic, i.e. exactly what his supporters denied at one time.

The ideologist of the futuristic movement, Marinetti, participating in World War II on the side of the fascist army in 1943, will be wounded near Stalingrad, and will die in 1944.

Together with him, the Futurist movement will finally end its existence.