Из собрания Центра Помпиду. Дар Флоранс и Даниэля Герлен #1/ From the collection of the Center Pompidou. Dar Florence and Daniel Guerlain #1

English version below

В последнее время стала популярной фраза: «я выбираю сердцем». В случае с коллекцией Флоранс и Даниэля Герлен однозначно ощущается, что они собирали графические работы, слушая свое сердце.

Мы не планировали смотреть рисунки в ГМИИ им. А.С. Пушкина. Честно говоря, обычно до просмотра рисунков дело не доходит – каждая из графических работ требует существенного времени на рассматривание и осмысление увиденного. На такой значительный душевный труд после осмотра живописных полотен уже не остается ни сил, ни времени.

Но именно работы, экспонирующиеся на выставке «Современная графика из собрания Центра Помпиду. Дар Флоранс и Даниэля Герлен», завлекли нас в это пространство и не отпустили обратно, пока мы не прошли все выставочные залы, каждый раз удивляясь разнообразию представленных рисунков.

Я уже рассказала про рисунки Видии Гастальдон в одной из предыдущих публикаций.

Теперь продолжаю обзор наших впечатлений от других экспонирующихся графических работ.

Пройти эту выставку быстро не получится, и не потому что под нее отдано шесть залов, а потому что здесь понимаешь, насколько разным может быть рисунок. Единственное, что здесь объединяет работы — это то, что большая часть из них создана на бумаге. Только, при этом, бумага может быть совсем разной. Она может отличаться как по составу сырья (целлюлоза, тряпье, рисовая мука), так и по цвету или фактуре. Также художники могут использовать и ткань, и выделанную кожу, и папирус, и фанеру.

Например, Эрнест Пиньон-Эрнест в своей работе «За стеклом» использовал бумагу разных цветов и разной фактуры. Рисунок тела сжавшегося мужчины находится на белом листе, а фрагмент с лицом — на бумаге теплого охристого цвета, наклеенной сверху. Это выделяет его и визуально приближает к зрителю. Неровные края этой аппликации создают ощущение хрупкости и беззащитности персонажа, который на нем изображен.

Кисть руки и лицо персонажа складываются из множества широких штрихов мягкого карандаша, лежащих точно по форме. Оптическое соединение этих штрихов с нейтральным тоном основы дает ощущение более темных или светлых пятен, как если бы свет и тень обтекали реальную форму.

Этот рисунок больше всего понравился дочери, наверно, именно точно переданной незащищенностью изображенного мужчины.

Подобную штриховку использовал Эрнест Пиньон-Эрнест и в своем рисунке «Арто».

Художник Александр Пономарев создает рисунки на морские темы поверх карт, и в этом нет ничего удивительного, ведь в прошлом он был моряком. И фигуры, и окружение в его работах слеплены из резких, грубых, почти механических штриховок. Мне сразу вспомнились четкие, состоящие из коротких складных фраз морские истории Старого Моряка, чем-то напоминающие рассказы Эрнеста Хемингуэя… наверно, своими просто описанными ежедневными событиями, иной раз граничащими с героизмом и в любом случае требующими большого мужества.

Такие изображения напоминают арт-терапию, когда через творчество человек освобождается от влияния травматического прошлого. Такого прошлого, которое проникает в сны, заставляет вскакивать с постели и судорожно хвататься за ручки несуществующего перископа, чтобы удостовериться, что за окном квартиры нет смертельной угрозы.

Необходимо отметить, что для искусства рисунка линия оказывается гораздо более важным инструментом, чем для живописи. Она часто требует от художника твердой руки и каллиграфической точности.

В рисунках серии «Исследование симфонии» Йоринде Фойгт линия становится основным формообразующим элементом. Отсылающие к нотному стану скрученные дуги представляются сознанию параллельными линиями, не имеющими пересечений. Художница использует свойства восприятия зрителя для того, чтобы построить внутри него сложную пространственную композицию. При этом особенно важно, чтобы каждая линия имела постоянную толщину и была проведена одним движением руки от узла до узла. Только так получится добиться ощущения естественной упругости, сопровождающего вибрирующее гудение реальной струны.

Марк Дион, используя карандаши красного и синего цвета, выделяет одни объекты на фоне других и заставляет их взаимодействовать друг с другом.

Работа художника, по мнению Диона, должна идти вразрез с господствующей культурой, бросая вызов застывшим матрицам восприятия. Вы можете попытаться увидеть это в мельчайших деталях и контрастах цвета его рисунков.

Используя эту не очень-то свежую идею, но при этом соединяя критическое мышление исследователя социальной проблематики и аналитический аппарат лабораторного учёного с любопытством путешественника и азартом охотника, Дион создает еще и инсталляции, провоцирующие зрителя вновь задумываться о, казалось бы, давно привычных проблемах.

Он говорит: «Я не испытываю оптимизма касательно общих целей человечества. И тем не менее только окружающая среда может стать такой целью. Чудовищные последствия изменения климата, коллапс морской экосистемы, загрязнение воздуха, перенаселенность — все эти феномены не знают национальных и этнических границ. Мир на грани того, чтобы медленно и необратимо превратиться в место сильно меньшего разнообразия и количества стратегий для выживания. Океаны особенно пострадали, но и заповедники дикой природы тоже стремительно деградируют. А то, что там происходит, влияет и на вопросы пищевой безопасности, политической автономии, производства энергии, на все, что касается больших городов».

Как заявил однажды художник — музеям нужно вернуть их роль «пороховой бочки воображения».

Иногда творцы отпускают контроль над процессом нанесения четкой линии. Они позволяют капле с краской или с чернилами свободно заполнять обильно смоченный водой лист бумаги.

Очень тонко работает с чернилами Павел Пепперштейн. Он использует и свободные заливки, и послойные наложения, и мазки кистью, и штриховку пером. Лицо и белая рубашка Человека-Пингвина, злодея из комиксов о Бэтмене, — единственные носители изначального цвета бумаги. Вся остальная плоскость листа залита равномерным светло-серым тоном. Постепенно сгущаясь в черные кляксы, чернила формируют и фигуру, и фон вокруг нее, чтобы в итоге прорваться тоненькими ручейками из ладони-плавника. Аморфной руке, как бы запятнанной кровью, противопоставлен выточенный строгой штриховкой профиль преступного гения. Весь визуальный эффект держится на контрасте разных приемов работы с чернилами.

Таким предстает в видении Пепперштейна знаковый злодей истории об одном из лучших героев комиксов всех времён Бэтмене. Художник изображает этого персонажа, рассматривая его как культурную икону, культовый артефакт современности. Он запечатлевает зрительный образ человека-пингвина, неотъемлемый от черт нашего времени.

Вообще, представленные рисунки привлекают внимание своей актуальностью и свежестью. Они дают зрителю взглянуть со стороны на мир¸ в котором мы с вами живем.

Да, он – такой, наш дивный мир…

Продолжение следует: Из собрания Центра Помпиду. Дар Флоранс и Даниэля Герлен #2.

English version

Recently, the phrase has become popular: “I choose with my heart.” In the case of the collection of Florence and Daniel Guerlain, it is clearly felt that they collected graphic works by listening to their hearts.

We did not plan to look at the drawings at the Pushkin Museum im. A.S. Pushkin. To be honest, usually it doesn’t come to viewing the drawings – each of the graphic works requires a significant amount of time to examine and comprehend what they see. After examining the paintings, there is no time or energy left for such significant mental work.

But it is precisely the works exhibited at the exhibition “Modern graphics from the collection of the Pompidou Center. Dar Florence and Daniel Guerlain” lured us into this space and did not let us go back until we went through all the exhibition halls, each time surprised by the diversity of the presented drawings.

I have already talked about the drawings of Vidia Gastaldon in one of my previous publications.

Now I continue the review of our impressions of other exhibited graphic works.

It will not be possible to pass this exhibition quickly, and not because six halls have been given for it, but because here you understand how different a drawing can be. The only thing that unites the works here is that most of them were created on paper. Only, in this case, the paper can be completely different. It can differ both in the composition of raw materials (cellulose, rags, rice flour), and in color or texture. Also, artists can use fabric, dressed leather, papyrus, and plywood.

For example, Ernest Pignon-Ernest in his work “Behind the Glass” used paper of different colors and different textures. The drawing of the body of a shrunken man is on a white sheet, and the fragment with the face is on warm ocher-colored paper pasted on top. This highlights it and visually brings it closer to the viewer. The uneven edges of this appliqué create a feeling of fragility and defenselessness of the character depicted on it.

The hand and face of the character are made up of many wide strokes of a soft pencil, lying exactly in shape. The optical combination of these strokes with the neutral tone of the base gives the impression of darker or lighter spots, as if light and shadow flow around the real shape.

The daughter liked this drawing most of all, probably precisely because of the accurately conveyed insecurity of the depicted man.

Ernest Pignon-Ernest used similar shading in his drawing “Artaud”.

Artist Alexander Ponomarev creates nautical drawings on top of maps, and there is nothing surprising in this, because in the past he was a sailor. Both the figures and the environment in his works are molded from sharp, rough, almost mechanical shading. I was immediately reminded of the clear, short colloquial sea stories of the Old Sailor, somewhat reminiscent of the stories of Ernest Hemingway … probably in their simply described daily events, sometimes bordering on heroism and in any case requiring great courage.

Such images are reminiscent of art therapy, when through creativity a person is freed from the influence of a traumatic past. Such a past that penetrates dreams makes you jump out of bed and frantically grab the handles of a non-existent periscope to make sure that there is no mortal threat outside the apartment window.

It should be noted that for the art of drawing, the line is a much more important tool than for painting. It often requires a firm hand and calligraphic precision from the artist.

In the drawings of the “Symphony Study” series by Jorinde Voigt, the line becomes the main shaping element. Twisted arcs referring to the musical staff appear to consciousness as parallel lines that do not have intersections. The artist uses the properties of the viewer’s perception in order to build a complex spatial composition inside him. In this case, it is especially important that each line has a constant thickness and is drawn with one movement of the hand from knot to knot. Only in this way will it be possible to achieve a feeling of natural elasticity that accompanies the vibrating buzz of a real string.

Mark Dion, using red and blue pencils, highlights some objects against the background of others and makes them interact with each other.

The work of the artist, according to Dion, must go against the prevailing culture, challenging the frozen matrices of perception. You can try to see it in the smallest details and color contrasts in his drawings.

Using this not very fresh idea, but at the same time combining the critical thinking of a researcher of social problems and the analytical apparatus of a laboratory scientist with the curiosity of a traveler and the passion of a hunter, Dion also creates installations that provoke the viewer to think again about seemingly long-familiar problems.

He says: “I am not optimistic about the common goals of mankind. And yet only the environment can be such a target. The monstrous effects of climate change, the collapse of the marine ecosystem, air pollution, overpopulation – all these phenomena do not respect national and ethnic boundaries. The world is on the verge of slowly and irreversibly becoming a place of much less variety and number of survival strategies. The oceans have been particularly hard hit, but wildlife sanctuaries are also rapidly degrading. And what happens there also affects the issues of food security, political autonomy, energy production, everything that concerns big cities.”

As the artist once said, museums need to return to their role as “powder kegs of the imagination.”

Sometimes creators let go of control over the process of drawing a clear line. They allow a drop of paint or ink to freely fill a sheet of paper richly moistened with water.

Pavel Pepperstein works very finely with ink. He uses both free fills and layered overlays, brush strokes, and pen hatching. The face and white shirt of Penguin Man, the villain from the Batman comics, are the only bearers of the paper’s original color. The rest of the plane of the sheet is filled with a uniform light gray tone. Gradually thickening into black blots, the ink forms both the figure and the background around it, in order to eventually break through in thin streams from the palm-fin. The amorphous hand, as if stained with blood, is contrasted with the profile of a criminal genius carved with strict shading. The whole visual effect is based on the contrast of different methods of working with ink.

This is how Pepperstein sees the iconic villain in the story of one of the best comic book characters of all time, Batman. The artist portrays this character as a cultural icon, a cult artifact of modern times. It captures the visual image of a penguin man, integral to the features of our time.

In general, the presented drawings attract attention with their relevance and freshness. They give the viewer a look at the world¸ in which we live.

Yes, he is such, our wonderful world …

To be continued: From the collection of the Center Pompidou. Dar Florence and Daniel Guerlain #1.